Anthony Braxton, el genio musical que ha intentado todo.

0 comentarios en este artículo Escrito por william en Música el día diciembre 30, 2011 , etiquetas , .

Músico, multi-intrumentista, genio, filósofo, sinestésico, compositor e improvisador, figura de jazz, la música contemporánea y avant-garde, uno de los mas prolíficos del siglo XX y lo que va del XXI…

Anthony Braxton comenzó su carrera a finales de los 60s y su música generalmente ha envuelto ligada al jazz, aunque también muy vinculado con los artistas contemporáneos como John Cage y Karlheinz Stockhausen. Tratar de conseguir todo lo que Braxton ha sacado podría llevar a uno a la banca rota ya que ha liberado mas de 100 lanzamientos. Ha abarcado en todo tipo de experimentación para sus composiciones (que son bastante complejas) utilizando diferentes técnicas, desde la  gráfica y notación no específica, hasta el serialismo.

Uno de los puntos mas peculiares de este genio musical es su habilidad sinestésica. En muchas de sus notas se pueden observar un gran número de imágenes visuales que utiliza para explicar sus composiciones y lo que la música debe transmitir.  En vez de utilizar nombres para el título de sus composiciones, Braxton asigna a cada trabajo un título visual: un diagrama, que comprende una mezcla de líneas, formas, colores, figuras, números y letras, que codifican la estructura y a lo que él llama la “vibración” de elementos de la música.

Uno de sus mas peculiares experimentos composicionales e improvisatorios fue con su cuarteto clásico (Anthony Braxton, Marilyn Crispell, Mark Dresser, Gerry Hemingway). Éste consistía en primero escribir la composición para cada instrumento (sax, bajo, piano y batería),  para luego intercambiar esas composiciones entre cada uno de los integrantes de manera casi aleatoria y espontánea, por lo que por momentos el piano comenzaba a tocar las notas del bajo, el sax llevando el ritmo, etc. Un disco en donde se puede escuchar esa peculiar interpretación es en el disco Quartet (Santa Cruz) 1993.

Otra gran característica del músico es el número de fases/estilos en los cuales ha estado involucrado.  Muchas veces el ya se encuentra en una fase nueva, incluso antes de que el público haya escuchado la anterior.  Una de sus fases mas interesante fue la denominada por el mismo “Ghost Trance Music”  (GTM).  GTM es un proceso de composición e improvisación, en la que el explica como un estado mas allá del tiempo en el que por medio de la meditación hace una conexión con rituales y simbolismos antiguos de América y África.

Entre sus mas notables discos de su carrera tanto solista como en grupo existen los siguientes:

  • For Alto (1971)
  • Saxophone Improvisations Series F (1972)
  • Dortmund (Quartet) (1976)
  • Willisau (Quartet) (1991)
  • Quartet (Santa Cruz) (1993)
  • Beyond Quantum (2008)

Fantasmas de la realidad

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  1. Los Hacedores de Fantasmas

Platón siempre relacionó estrechamente la filosofía y la educación, para él, el arte es definido como educación de una determinada realidad o de un determinado estado de ánimo o de una determinada acción. El arte debe de ser auténtico, esto quiere decir que debe ser útil, y para que sea útil nos debe de educar, si eso no se encuentra entonces solamente será un fantasma de la realidad hecho por un hacedor de fantasmas.

  1. La purificación por medio del arte

Aristóteles nos dice que para aprender se debe a la contemplación de semejanzas, mediante estas semejanzas nos permiten razonar sobre que es cada cosa, pero eso significa que el arte es solo imitación, y nada reemplaza la realidad, y para lograr observar la realidad, se necesita experiencia, que también puede ser estética. En conclusión para percibir la realidad en profundidad se necesita el arte que tiene como función mostrar lo fundamental de la realidad.

  1. El Arte como Representación de la Divinidad

Para Georg Hegel el más alto destino del arte es el que es común con la religión y la filosofía, entonces el arte no es una representación de la realidad, sino la esencia de ella, que es la divinidad, y mientras el arte no se ocupe de ello estará en total decadencia. Él nos dice que existe una gran diferencia entre lo bello y el gusto, lo bello se determina por medio de un juicio en profundidad, y el gusto es exterior. La obra se debe apreciar, poder ver su infinidad y libertad, en cambio el otro solo se consume, satisface el deseo y se desecha, y esa es la gran diferencia.

  1. El Arte como Autoconciencia

Georg Lukács nos dice que todo arte de relieve se enfrenta intensamente con los grandes problemas de su época, sólo en los períodos de decadencia aparece la tendencia a evitar esas cuestiones, y por eso la eficacia de las obras importantes supone una ampliación, una profundización y una elevación de la inmediata individualidad cotidiana.

  1. El Pseudoarte o la Cultura de Masas

El pseudoarte es aquél que ofrece una versión distorsionante de la realidad y que por su estructura formal apunta a provocar en el receptor nada más que un efecto. El pseudoarte es superficial y solo nos desviará de la realidad.

  1. Contra la Universalidad de las Formas

Todo sigue un esquema, pero no siempre ese esquema es el correcto, ya que dentro de esos esquemas existen poderes que buscarán imponer y determinar todo es conjunto de formas,modelos y patrones como lo son la vestimenta, religión, normas de comportamiento y creencias, el cual le restará al ser humano la capacidad de reflexionar sobre sí mismo y volverse mas manipulables ante el poder.

  1. Los Buscadores de Sensaciones

El pseudoarte solamente busca una sensación, el cual nos  hará sentir satisfechos solo por un momento, pero solamente eso, un momento. Y esto se sucede al receptor contemporáneo, en la que vive prisionero de una red audiovisual destinada a provocarle una sinestesia cada vez más totalitaria que buscará sumirlo en un mundo lo suficientemente opaco como para sustituir al real.

  1. El extrañamiento Artístico

Marta Traba nos dice que la obra de arte es un modo de lenguaje y por supuesto en función de decir la propia realidad. El arte en los países centrales se ha vuelto simple manipulación, a la manera de las historietas y de los demás mensajes masivos.

  1. Expresar la propia realidad

Es preciso frenar desde la niñez el torrente de efectos que llegan a través de los medios de comunicación para insistir desde la más temprana edad en el conocimiento de nuestras raíces y de nuestros particulares modos de expresión. El arte no es cuestión de meras ilusiones, de fantasmas, es algo muy real, enraizado en la realidad misma; en la medida en que accedamos a él lograremos una mejor comprensión de nuestra situación histórico-social, un mayor enriquecimiento de nuestra sensibilidad.


Andrei Rublev (1966, Andrei Tarkovski)

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Una obra oscura, compleja y filosófica, probablemente uno de los puntos más altos dentro del séptimo arte.

Andrei Rublev es un filme del director ruso Andrei Tarkovsky remotamente inspirado de la vida del pintor ruso Andrei Rublev, el cual es considerado como el más grande iconógrafo de Rusia.

Andrei Rublev

Los sucesos se remontan en Rusia de la Edad Media, y el personaje principal es este monje pintor; pero esta obra va mas allá de cualquier frontera y tiempo, y nuestro personaje principal no en todo momento es tan primordial como pudiéramos imaginar, ya que en ocasiones no llega a ser mas que un simple espectador de fondo. Lo que si observamos a todo momento son los sucesos (algunos terribles, otros sublimes) que acontecen alrededor de éste y otros personajes, y su afectación. La redención, la creación como arte, vida, humanidad, historia, la fe, el conflicto interno, el sufrimiento y sacrificio son algunos de los temas primordiales.

Andrei Rublev es una invasión a la mente y los sentidos, no es solo una historia épica, es una obra de arte y mas que eso, un camino de iluminación. Mas que un solo director, Tarkovsky era un artista, un pensador, y como tanto el sabía como conmovernos emocionalmente, nos obliga a absorber la situación y las imágenes, para interiorizar, dejando que se hundan en nuestro subconsciente.

No existe una trama como tal o una moraleja que aprendamos, pero lo que si pretende este filme es llegar a la esencia de la vida misma. Las escenas (a diferencia de la mayoría de los filmes) son grabadas y narradas en casi tiempo real de acuerdo al ritmo mismo de la vida. Los personajes se sientan y esperan, y nosotros esperamos con ellos lo que nos permite apreciar todo lo que sucede en ese entorno con mucho mas fuerza y profundidad.

Su entorno histórico es bastante atractivo y a la vez pocas veces revisado. Una Rusia del siglo XV sombría e implacable. La religión oficial de ese tiempo era el cristianismo ortodoxo pero el paganismo estaba todavía muy presente. El enfrentamiento entre reyes, boyardos y príncipes por tierras y poder era muy frecuente. Los tártaros del sur (Mongolia), constantemente saqueaban, torturaban y asesinaban pueblos, algunos incluso enteros. La peste y la enfermedad eran desmedidos y la gran mayoría vivía en la pobreza.

Pero no todo es tan desesperanzador como pareciera ser, ya que la Edad Media estaba llegando a su fin y el Renacimiento comenzaba a florecer. El arte e ideas de Occidente estaban siendo cada vez mas infiltradas en el Oriente. Y no solo eso, en este filme existe una fé, mas que religiosa es por la humanidad, lo cual es un mensaje bastante confortador.

Cabe decir que este no es un filme recomendable para todos, algunas razones son que fue filmada en blanco y negro casi en su totalidad, grabada hace casi ya un medio siglo, una duración de casi 3 horas y 1/2, narrada en ruso, en ella existen muchas escenas de una duración de varios minutos sin cortes ni edición y la temática es compleja y filosófica.

Si ninguno de los puntos anteriores te desalienta, entonces definitivamente tienes que verla por que es una verdadera gema.


Fundamentos del color

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Aproximadamente el 80% de todas la informaciones que recibimos son, por regla general, de naturaleza óptica. Las informaciones ópticas proporcionan información acerca de las formas por un lado, y acerca de los colores por otro, y por lo tanto el 40% de todas las informaciones que un hombre recibe normalmente se refieren al color. El color es única y exclusivamente la sensación de color. En consecuencia, la ley fundamental de la teoría de los colores es la que rige el funcionamiento del órgano de la vista.

El color no es absoluto, sino que solo existe en los objetos por una impresión sensorial del contemplador. Un material completamente incoloro puede aparecernos color. Por consiguiente, el color no puede ser una cualidad de dicho material. El material no muestra un determinado color fijo. Su aspecto es más bien relativo, ya que éste depende de la iluminación existente. El aspecto cromático del material recibe el nombre de color de cuerpo. Unos materiales diferentes se distinguen en su aspecto cromático por el hecho de que absorben distintos sectores espectrales de la luz existente. Por consiguiente, el color de cuerpo se produce a consecuencia de la capacidad de absorción individual del material.

El color es una cualidad de la luz reflejada, por las superficies entintadas y no entintadas. La luz blanca es una combinación de todos los colores primarios, rojo naranja en un extremo del espectro, azul violeta en el otro extremo, y verde en la otra parte media del extremo.
Cuando dos de estos colores primarios se adicionan o superponen, se produce un color mas claro, conocido como elemental, cuando se combinan los tres resulta el blanco y cuando no existe ninguno resulta el negro, que son los dos colores acromáticos.

Combinados en proporciones iguales el rojo y el verde dan el amarillo, el rojo y el azul dan el cian, y el azul y rojo dan el magenta. Estos son los colores elementales. Mientras que la luz transmitida de los objetos y pigmentos es exacta, lo opuesto, una superficie blanca incide en ella, se refleja todo su espectro.

Desliza el contorno circular dentro de la esfera y el triangulo para la tonalidad.

El color tiene tres dimensiones que pueden definirse y medirse. El tono es el color mismo o croma, y hay más de cien. Cada tono tiene características propias. El círculo cromático es un útil dispositivo para indicar la misma familia de tonos, llamados colores adyacentes y los colores opuestos también conocidos como complementarios.

La segunda dimensión del color es la saturación, que se refiera a la pureza de un color respecto al gris. El color saturado es simple, casi primitivo, carece de complicaciones y es muy explícito. Está compuesto de matices primarios y secundarios. Los colores menos saturados apuntan hacia la neutralidad cromática en incluso acromatismo y son sutiles y tranquilizadores. Cuanto más intensa o saturada es la coloración de un objeto visual o un hecho, más cargado está de expresión y emoción.

La tercera dimensión del color es acromática. Se refiere al brillo o valor, que va de la luz a la oscuridad, es decir, al valor de las gradaciones tonales. La presencia o ausencia de color no afecta al tono, que es constante.

Referencias:
Küppers, Harald. Fundamentos de la teoría de los colores. Barcelona: Gustavo Gili SA

 


Charles Bukowski – Escritos de un viejo indecente

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Alcoholismo, prostitución, desempleo, vagancia y falta de moral son temas tratados comunmente en las obras de Charles Bukowski, bautizado como el último escritor maldito. Mucho se puede decir quien fue Bukowski y que escribió, pero lo realmente interesante es la manera y capacidad que tiene para abordar esos temas.

Sus primeras 4 novelas y muchas de sus historias cortas están directamente vinculadas con su vida personal, y se puede decir que son casi autobiografías del mismo narradas por su alter-ego Henry Chinaski denotando su apatía por lo que se conoce por “The American Dream”.

Charles Bukowski nació en Alemania en 1920 pero su familia se trasladó a E.U. 3 años después debido a que Alemania muy afectada por la Primera Guerra Mundial. Pero su suerte no cambió mucho en el nuevo país debido a la gran crisis de los 20s en esa nación. Un padre violento, un terrible caso de acné y gran timidez hicieron que Bukowski se refugiara en los libros a muy temprana edad.

“La primera cosa que recuerdo es estar debajo de algo. Era una mesa, veía la pata de una mesa, veía las piernas de la gente, y una parte del mantel colgando. Estaba oscuro allí debajo, me gustaba estar ahí. Debió haber sido en Alemania, yo debía tener entre uno y dos años de edad. Era en 1922. Me sentía bien bajo la mesa. Nadie parecía darse cuenta de que yo estaba allí.” – La senda del Perdedor.

Durante su juventud se publicaron un par de relatos cortos, pero no pudo entrar por completo al mundo literario debido a la falta de publicación de sus escritos, lo que hizo que se alejara de escribir por mas de una década y comenzaran sus problemas de alcoholismo, trabajando en lugares esporádicos en incluso viviendo en las calles.

“Mi ambición está limitada por mi pereza.” – Factotum.

Por algunos años estuvo trabajando como cartero en una oficina postal pero se salió antes de cumplir los 3 años de antigüedad. En 1955 tuvo una ulcera sangrante que casi le cuesta la vida y que tuvo que estar hospitalizado. Al primer día de salir del hospital fue a un bar para emborracharse y comenzar a escribir poemas nuevamente. En los 60s regresó a la oficina postal donde trabajó por una década mas.

Fue hasta la edad de 50 años cuando Black Sparrow Press le ofrecierá 100 dolares mensuales a cambio de que el dejara de trabajar en la oficina de correos y escribiera de tiempo completo, el cual el aceptó. A los tres meses publicó su primer novela Cartero y lo demás es historia.

Murió en 1994 a los 73 años de edad, escribió 6 novelas de las que destacan: Cartero, Factotum, La senda del perdedor, cuentos cortos como: Música de cañerías y Escritos de un viejo indecente o libros de poemas como: Poemas de la última noche de la tierra.

“Aquí estaba ahora, en el jacuzzi, y mi vida se estaba acabando. No me importaba, ya había visto el circo. Aún así, siempre hay más cosas que escribir, hasta que me lancen a las tinieblas o lo que sea.” – El capitán salió a comer y los marineros tomaron el barco.

Lo que hace realmente grandes las obras de Bukowski es su honestidad, en ellas expone sin dificultad sus fortalezas y debilidades. Es capaz de crear arte a partir de los casos mas cotidianos de la vida, aquellos que la mayoría de nosotros omitimos, pero que el estuvo perfectamente consciente como para presentarlos de distintas maneras.

CAUSA Y EFECTO 

Los mejores a menudo mueren por
su propia mano
sólo para huir,
y aquellos que quedan atrás
nunca pueden entender
porqué alguien
querría
huir
de
ellos.-


¿Arte vs Diseño?

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Hay quienes se preguntan si existe alguna diferencia entre el diseño y el arte.

La respuesta corta es que si.

La respuesta larga es que el diseño se diferencia del arte, por ser  la primera una actividad que conlleva una metodología y un proceso que contribuye a ordenar, dar forma y significado a cualquier aspecto de la vida diaria, que por medio de proyectos teóricos ofrece resultados funcionales, creando una semiosis social.

En tanto el arte se puede definir como una actividad desempeñada libremente por el espíritu sin responder a ninguna clase de presión del exterior. Esta definición enunciada por el filósofo Alemán Immanuel Kant de finales del siglo XVIII ha prevalecido hasta nuestros días con menores o mayores adiciones.  El artista satisface sus necesidades expresivas e impulsos creativos llevando a la realidad física un objeto cuyo fin es corresponderse con sus emociones mas profundas. Exteriorizar es el objetivo primordial, mientras que pluralizar el mensaje es secundario.

El diseñador en cambio debe satisfacer unas necesidades específicas para una sociedad determinada, que a su vez está delineada dentro de un marco social, político y económico puntual; lo subjetivo pasa a segundo plano. Y el objeto generado, si es eficiente, es hijo directo de las necesidades su mercado objetivo y la sensibilidad de los diseñadores para percibirlas y responder a ellas.

En conclusión, si existen algunas similitudes entre ambas como el uso de reglas de la estética,  pero la finalidad de ambos es casi opuesta ya que mientras una debe de realizarse con un fin específico, el de satisfacer las necesidades de un grupo determinado,  la otra tiene virtualmente ninguna limitante para ser considerada como tal.

Sexe N. 2001. Diseño.com. Ed. Paidos. Buenos Aires, Argentina.
McEvilley T. 1993, The Exile’s Return: Toward a Redefinition of Painting for the Post-Modern Era

 


Usar @font-face para tu sitio web

0 comentarios en este artículo Escrito por william en Diseño Web el día diciembre 16, 2011 , etiquetas , .

Las fuentes en la web

Los que llevamos ya algunos años en el ámbito de armado de sitios web, nos hemos topado algunas veces con limitantes de visualización de tipografías en los sitios html que hemos diseñado. Básicamente el problema es que un usuario no podía ver un sitio con la fuente que nosotros asignábamos por medio de nuestra hoja de estilos si antes en su computadora no estaba instalada esa misma fuente.

Eso nos obligó a utilizar un número limitado de fuentes que son las mas comúnmente instaladas por default en la mayoría de los sistemas operativos. Fuentes de la familia san-serif (sin patines) como Arial, Verdana y Geneva o de la familia serif (con patines) como Times New Roman, Georgia o Book Antigua son las mas utilizadas en la mayoría de los sitios web por lo mismo. Pero ni siquiera asignando esas fuentes se podía garantizar que nuestro sitio se presentara de esa manera ya que un usuario siempre tendrá la libertad de desinstalar cualquiera de esas fuentes.

Ahora que la mayoría de los navegadores en su última versión ya soportan la característica de estilos @font-face, cada vez son mas los sitios que se pueden publicar con casi cualquier tipografía deseada.

Como dato curioso esta regla ya está implementada desde la versión 5 de Internet Explorer.

 

Cómo empezar a utilizar @font-face en tu sitio

Para empezar a ocupar una fuente deseada en un sitio web es muy sencillo y solo se deben de realizar unos pasos:

1. Sube una carpeta con tu fuente(s) deseada(s).

2. En tu hoja de estilos define la regla con el nombre de fuente y la ruta para encontrarla.

@font-face {
    font-family: FreestyleRegular;
    src: url(http://www.ejemplo.com/fuentes/freestyle-regular.otf);
}

3. Ahora solo asigna en donde quieres que se utilize como cualquier otra fuente:

p {
    font-family: FreestyleRegular, Helvetica, Arial, sans-serif;
}

Eso es básico para que la fuente Myriad Pro ahora podrá verse en cada párrafo de tu sitio sin que el usuario la haya instalado.

Algunas referencias:

http://www.w3.org/TR/css3-webfonts/#font-face-rule
http://www.font-face.com/
http://www.fontsquirrel.com/